Intelligence au carré: espace noir de la pensée abstraite. Partie 3
Tout le chemin créatif de Malevitch est un puissant désir sonore de briser les limites de la réalité physique. L'intellect abstrait a poussé l'artiste vers une recherche profonde, vers le désir de passer derrière l'écran du visible et du tangible, de pénétrer l'essence des choses …
Fin de la peinture: noir et blanc. Partie 1
Black Square: croire ou savoir? Partie 2
En 1927, Kazimir Malevitch emmène une centaine de ses œuvres à une exposition personnelle à Varsovie, puis à Berlin. Soudain, l'artiste a été rappelé en URSS. Les œuvres laissées à Berlin, il ne pouvait pas les reprendre, car il était contraint de voyager à l'étranger. Cependant, il les répéta lui-même bientôt. Il existe donc au moins quatre versions du carré noir.
Avant la photo signifiait toujours l'original. Cependant, Kazimir Malevich, en écrivant «Black Square», a aboli l'unicité en tant que qualité intégrale d'une œuvre d'art.
Et c'était du jamais vu. L'image reproduite est un autre paradoxe, une autre invention du génie sonore de Malevitch. Une autre de ses prophéties.
Écoutez le futur. Peinture - en circulation
Aujourd'hui, nous ne sommes pas du tout surpris par l'opportunité de photographier n'importe quelle œuvre d'art sur un téléphone mobile, de l'envoyer à l'autre bout du monde en une seconde et de l'imprimer sans pratiquement aucune perte de qualité. Au début du 20e siècle, personne ne pensait même que les moyens techniques de reproduction et plus tard les technologies numériques pour créer des images reproduisant à l'infini des œuvres d'art aboliraient leur caractère unique.
Traditionnellement, une rencontre avec une œuvre d'art était une expérience sacrée particulière pour le spectateur. Regarder un tableau signifiait voir son original de mes propres yeux. La reproduction technique du tableau a été extrêmement difficile. Faire des copies à la main n'exigeait pas moins d'habileté que l'auteur et était impossible en grande quantité. La photographie et les moyens de reproduction technique commençaient à peine à émerger.
La nature du trait, les caractéristiques de l'élaboration de la surface peinte, les nuances coloristiques inhérentes à tel ou tel artiste, ont créé une aura particulière de l'œuvre d'art.
Notre attitude face à une peinture traditionnelle ressemble toujours à notre attitude à l'égard d'une icône ou d'un autre sujet d'un culte religieux: nous la percevons sans critique, car elle a un statut sacré.
Black Square de Malevitch était une œuvre d'un nouveau format, presque dénuée d'unicité. L'œuvre, perdant son aura d'authenticité, perd également son statut sacré - une sorte d'attitude particulière du spectateur à son égard, la révérence, la révérence.
La reproduction et tout travail de production n'ont pas cette aura. Des choses non uniques remplissent et créent notre vie. Nous ne les sauvegardons pas lorsqu'une chose s'use, nous la remplaçons facilement par une autre. Nous ne sommes pas séparés de l'œuvre imprimée par un cocon de perception particulière, nous nous sentons à égalité avec eux. Par conséquent, nous admettons pleinement la critique de ces œuvres. On ne critiquera pas Mona Lisa, même si on n'aime pas du tout la photo, mais on peut très bien critiquer la photo sur la couverture du livre.
C'est cette facilité de reproduction des œuvres suprématistes de Malevitch qui met le spectateur au même niveau que l'artiste, détruisant le cocon du statut particulier du tableau.
Et à la fin du 20e - début du 21e siècle, même le corps humain cessera d'être unique: les technologies cellulaires permettront la croissance artificielle d'organes de donneurs, créer et remplacer des fragments de tissus corporels. Presque cent ans avant ces événements, Malevitch aurait déclaré avec son tableau "Black Square": la seule chose qui ne se prête pas au clonage est l'esprit humain, la pensée de l'artiste.
Directement dans le futur. Carré noir dans votre maison
Plus une œuvre est diffusée, plus elle est proche du spectateur et plus son influence sur le spectateur est forte. En passant de la pièce à la production, l'œuvre perd son caractère sacré, mais acquiert une influence massive.
Les grandes diffusions vous permettent d'entrer en contact avec un grand nombre de téléspectateurs et ont un impact énorme. Une telle couverture n'était pas possible dans l'ancien temps pour l'image traditionnelle. Une œuvre imprimée, interagissant avec une personne ici et là, s'actualise constamment. L'aura, l'atmosphère particulière qu'avait la peinture, a été perdue, mais la puissance de l'impact augmente plusieurs fois.
Ainsi, grâce à l'apparition du «carré noir», la circulation devient un nouveau principe de communication. À partir de ce moment, tous les principaux genres artistiques affectent en masse le spectateur. La cinématographie et la télévision deviennent les plus importantes.
La communication de masse est nécessaire pour créer de la cohérence, des vues similaires. La cohérence, en tant que système nerveux unifié, permet à l'organisme-société de fonctionner sans difficulté, d'échanger des informations instantanément et de ne pas créer de conflits internes. Les communications de masse deviennent une alternative au culte religieux. Ils unissent, éduquent, expliquent, diffusent instantanément la nouvelle, ce qui est très important pour un grand pays. Les technologies de communication de masse - reproductions d'images imprimées et de dessins industriels, technologies de la télévision, de la radio et du cinéma - ont reçu un puissant élan de développement précisément à ce moment-là, dans les premières décennies du XXe siècle. Voici comment le contemporain de Malevitch, le poète, dramaturge, penseur et culturologue d'avant-garde Velimir Khlebnikov, interprète le phénomène de la communication de masse dans son essai-utopie "Radio du futur":
«La radio a résolu un problème que l'église elle-même n'a pas résolu, et elle est devenue aussi nécessaire pour chaque village qu'elle est maintenant une école ou une salle de lecture.
La tâche de rejoindre l'âme unique de l'humanité, la seule vague spirituelle quotidienne balayant le pays chaque jour, irriguant complètement le pays avec une pluie d'actualités scientifiques et artistiques - cette tâche a été résolue par Radio à l'aide de la foudre. Sur les énormes livres fantômes des villages, Radio a imprimé aujourd'hui l'histoire d'un écrivain préféré, un article sur les degrés fractionnaires de l'espace, des descriptions de vols et des nouvelles des pays voisins. Chacun lit ce qu'il aime. Ce livre, le même pour tout le pays, se trouve dans chaque village, à jamais dans le cercle des lecteurs, strictement dactylographié, salle de lecture silencieuse dans les villages."
Les arguments de Khlebnikov à propos de la radio, qui créeraient une vague de partage des vues, deviendraient un livre commun dans lequel «chacun lit ce qu'il aime», bien sûr, sont idéalistes. La radio en tant que chaîne médiatique indubitablement unie, a créé un espace d'information commun, mais n'a toujours pas fourni le degré d'implication dont rêvait le poète. Cependant, environ soixante ans plus tard, lorsque l'ordinateur est apparu dans chaque foyer, Internet est devenu un tel «livre».
Velimir Khlebnikov avait prévu son apparition. Tout comme Kazimir Malevitch, avec son «carré noir», a prédit l'ère des écrans noirs des appareils électroniques, qui permettent de diffuser, de reproduire et de stocker des images sans fin et sans coût.
Chacun dans son domaine, artistes, écrivains, inventeurs, ingénieurs du début du XXe siècle, ont créé une percée culturelle et scientifique, une révolution de la conscience. Mais la vie de toute la société ne change que lorsque les découvertes et les inventions concernent tout le monde. C'est pourquoi toutes les personnalités brillantes de cette époque ont accordé tant d'attention à la résolution des problèmes quotidiens, l'un des critères de succès était la simplicité et la disponibilité maximales de la reproduction. Ils sont devenus un nouveau credo créatif.
Ainsi, par exemple, Varvara Stepanova a créé des croquis de vêtements de tous les jours et de fête à la mode, que toute femme pouvait créer pour elle-même en une demi-heure à partir de torchons de cuisine ordinaires. Alexander Rodchenko, Lazar Lissitsky, avec Vladimir Mayakovsky, ont réalisé des affiches publicitaires pour des biens et des services. Mayakovsky a écrit des slogans publicitaires, et les artistes ont créé une ligne visuelle pour eux, cela s'est avéré brillant, mordant, fervent. Poésie et peinture - deux genres d'élite et de haut niveau sont apparus dans les rues de la ville et dans les maisons des gens ordinaires.
Jusqu'à présent, à Saint-Pétersbourg, dans les magasins de la fabrique de porcelaine Lomonosov, vous pouvez acheter un service suprématiste développé par Malevitch et ses étudiants dans les années 1920.
Non seulement l'attitude envers les œuvres d'art, leur perception, mais aussi le rôle de l'artiste évolue progressivement. Un designer n'est pas un artisan qui crée des objets uniques, mais un ingénieur, un designer. Il crée des systèmes et des conceptions reproductibles. Il influence massivement la conscience des personnes de couleur et de forme, détermine leur vie et leur environnement. C'est ce dont Kazimir Malevitch rêvait autrefois.
L'essence de la peinture n'est pas dans la toile et le cadre, ni même dans l'image de l'objet, tout comme l'essence de l'homme n'est pas dans la chair. La pensée de l'artiste est plus importante que l'habileté et le mode de reproduction. L'art peut et doit être accessible, reproductible et généralisé. C'est sur la base de ces prérequis, basés sur les développements de Malevitch et de ses associés dans le domaine de la composition formelle, qu'une nouvelle pratique socioculturelle a commencé à émerger, que nous appelons aujourd'hui design.
Le cosmos de la réalité sonore. Entrer dans le suprématisme ouvert
En 1903, Konstantin Tsiolkovsky publie la première partie de l'article "Exploration des espaces du monde par des appareils à réaction", où il est le premier à justifier la possibilité de vols dans l'espace solaire. Dans ce travail et les travaux ultérieurs, le scientifique a jeté les bases de la cosmonautique théorique. Son idée était de voyager dans l'espace vide sur une propulsion à réaction.
Le propriétaire du vecteur sonore, l'artiste Kazimir Malevitch, s'est bien entendu intéressé par ses recherches.
Au début du 20e siècle, l'astronautique pratique n'existait pas encore et on en savait peu sur l'espace. Le premier vol n'a été effectué par Yuri Gagarin que le 12 avril 1961.
Mais déjà en 1916, Kazimir Malevitch a écrit des compositions suprématistes dans lesquelles, pour la première fois dans l'histoire de l'art, il exprime l'état d'apesanteur structurellement et compositionnellement à travers une image visuelle. L'artiste aurait aboli la force de gravité et est entré dans le suprématisme ouvert.
Toute peinture est une reproduction de l'expérience sensorielle de la réalité. Un artiste talentueux est celui qui le fait à coup sûr. La composition de l'image, tout comme une personne, a un haut et un bas, des côtés gauche et droit. Les éléments de l'image dans notre perception sont affectés par la force de gravité de la même manière que sur les objets réels de la vie.
Notre perception s'adapte à la gravité. N'importe quel artiste devine ces distorsions sensorielles de la perception. Par exemple, une forme située exactement au centre géométrique de la feuille sera perçue optiquement légèrement en dessous du milieu par l'œil humain. Notre perception ajoute de la gravité à nos sens. Cette loi universelle organise l'espace compositionnel de toute peinture.
Et dans les compositions suprématistes de Kazimir Malevitch, il n'y a ni haut ni bas, ni droite ni gauche. Les formes semblent flotter ou pendre en apesanteur. L'espace semble être agrandi et aplati et ressemble à une vue de dessus.
Un tel système de composition est apparu pour la première fois. De nombreuses compositions de Malevitch peuvent être retournées et elles ne perdront rien. De plus, Malevitch lui-même, commençant à faire tourner son fameux «carré noir», a remarqué que dans la perception il se transforme d'abord en croix, puis en cercle. C'est ainsi qu'est apparu un triptyque: carré noir, croix noire, cercle noir. Trois formes principales de suprématisme.
"Black Square" est devenu non seulement la première forme de suprématisme, mais aussi l'atome de la peinture. Malevitch a fait ressortir l'essence de n'importe quelle image avec cette image. De nombreuses années plus tard, avec l'avènement de la technologie numérique, toutes les images ont commencé à se composer de nombreux segments de forme carrée - pixels, atomes d'images numériques. Le «carré noir» est le tout premier pixel, zéro forme. La première idée de la structure segmentaire de l'image vivant dans le carré noir du moniteur, de l'autre côté de la réalité supplémentaire d'Internet.
Le but de la musique est le silence
«Le but de la musique est le silence» est écrit sur la première page de garde du carnet de Kazimir Malevitch, datée de 1923. Cette année, l'artiste a publié son dernier manifeste "Suprematist Mirror", dans lequel il assimilait tous les phénomènes du monde à zéro.
«Il n'y a aucun être ni en moi ni en dehors de moi, rien ne peut rien changer, puisqu'il n'y a rien qui puisse changer, et il n'y a rien qui puisse être changé.
L'essence des différences. Le monde comme sans objet ».
Un analogue graphique de cette déclaration était deux toiles vierges montrées par l'artiste à Petrograd à «l'Exposition de peintures d'artistes de toutes les directions 1918-1923» au printemps mil neuf cent vingt-trois. Les peintures ont été nommées de la même manière que le manifeste "Miroir suprématiste".
Fait intéressant, près de quinze ans plus tôt, Nikolai Kulbin, ami, collègue et mécène de Malevitch, figure active du nouvel art de l'époque, écrivait la brochure Free Music, dans laquelle, plusieurs années avant les compositeurs futuristes italiens, il niait le système de douze tons. Kulbin est l'auteur du concept de musique non tempérée, de musique quart de ton et de musique d'ambiance.
Kulbin croyait que la musique de la nature était libre dans le choix des sons: lumière, tonnerre, bruit du vent, éclaboussures d'eau, chant des oiseaux. Par conséquent, un compositeur qui écrit dans le genre de la musique libre ne devrait pas être «limité aux tons et demi-tons». "Il utilise des quarts de tons, des poulpes et de la musique avec un libre choix de sons." La musique libre devrait être basée sur les mêmes lois que la musique de la nature. La qualité principale de la musique quart de ton était la formation de combinaisons inhabituelles de sons, d'harmonies, d'accords, de dissonances avec leurs résolutions et leurs mélodies. De telles combinaisons de sons dans la gamme sont appelées «dissonances proches», leur son est complètement différent des dissonances ordinaires. Kulbin pensait que cela augmentait considérablement les capacités expressives de la musique, la capacité de se matérialiser.
Un peu plus tard, des idées similaires ont été exprimées par le futuriste italien Luigi Russolo dans le manifeste "The Art of Noises".
Plusieurs décennies plus tard, le philosophe, poète et compositeur américain John Cage composera sa célèbre composition en trois parties "4'33", qui sera présentée pour la première fois par le pianiste David Tudor au Concert-bénéfice organisé en soutien à l'art contemporain à Woodstock en 1900 cinquante-deuxième année. Lors de la résonance de l'œuvre, pas un seul son n'a été joué. Le silence a duré trois périodes de temps, correspondant aux trois parties de la composition. Puis, s'inclinant, les musiciens sont partis, et la salle a explosé …
À notre époque, ni la musique du silence ni la musique noise ne surprennent personne. Les instruments numériques vous permettent d'enregistrer, de créer et de mélanger librement des sons, de les éditer, par exemple en supprimant le bruit. La musique électronique, sans un seul son "live", qui rappelle un instrument réel, est d'abord devenue une direction musicale à part entière, et plus tard toute la musique s'est transformée dans une certaine mesure en électronique, c'est-à-dire qu'elle est devenue numérisée.
Toujours à nos côtés
Tout le chemin créatif de Malevitch est un puissant désir sonore de briser les limites de la réalité physique. L'intellect abstrait a poussé l'artiste à une recherche profonde, au désir de passer derrière l'écran du visible et du tangible, de pénétrer l'essence des choses.
Comment la perception de la couleur, par exemple le jaune, changera-t-elle subjectivement si elle est appliquée à différentes formes géométriques: un cercle, un triangle, un carré? Comment les couleurs incolores (achromatiques) affectent cette couleur: pourquoi le jaune s'éte-t-il sur un fond blanc et s'illumine avec une vengeance sur le noir? Comment le rythme et la taille du point de peinture affectent-ils la sensation subjective de chaleur et de froideur de la couleur? Ce genre de questions intéressait Malevitch en tant que chercheur.
Kazimir Malevitch a changé à jamais non seulement l'art, mais aussi notre vie. Sa peinture est une formule. Formule d'expressivité où l'image peut être retirée. Il n'y a pas d'image, mais il y a expressivité.
L'émergence du «carré noir» a changé notre vie et notre conscience.
Design industriel, design graphique, design de mode, design environnemental - autant de tendances, tant de noms brillants. Aujourd'hui, pendant longtemps, personne n'est surpris par les formes de couleurs abstraites dont les designers remplissent notre réalité. Un cercle bleu qui s'avère être une lampe. Le grand rectangle rouge est un bouton sur l'écran! Les formes abstraites font désormais partie de notre monde.
Tout cela n'aurait peut-être pas eu lieu si Kazimir Malevitch n'avait pas une seule fois écrit «Black Square» et n'avait pas libéré la forme et la couleur des préceptes d'une image visuelle.
