Fin de la peinture: noir et blanc. Partie 1
Soudain, l'artiste a recouvert la composition de couleur d'un quadrilatère noir, puis a commencé à écrire toutes les formes l'une après l'autre jusqu'à ce qu'un seul carré noir reste sur la toile. La force d'influence de la proportion trouvée précisément de taille et de couleur était si grande qu'il est devenu extrêmement agité et pendant une semaine entière n'a pas pu manger ni dormir …
L'oiseau sort de l'œuf. L'œuf est le monde. Celui qui veut naître
doit détruire le monde. L'oiseau vole vers Dieu.
Hermann Hesse, "Demian"
Fin de la peinture
Le suprématisme est un concert où l'art mondial s'est réuni pour mourir.
N. Punin
À l'été 1915, Kazimir Severinovich Malevitch a travaillé sur la toile de fond de l'opéra Victoire sur le soleil.
Cet opéra suprématiste d'Alexei Kruchenykh, Mikhail Matyushin et Kazimir Malevitch parlait du groupe "Budelyan", qui partait à la conquête d'une étoile lointaine. Le livret utilisait un langage inexistant inventé par les auteurs. La musique était construite sur la dissonance et le chromatisme. Malevitch a travaillé sur les costumes et les décors.
Que peut-on représenter sur le décor d'un opéra dans une langue inexistante? Le soleil est blanc et rond, et il peut être vaincu par son exact opposé - quelque chose de noir et de carré.
Soudain, l'artiste a recouvert la composition de couleur d'un quadrilatère noir, puis a commencé à écrire toutes les formes l'une après l'autre jusqu'à ce qu'un seul carré noir reste sur la toile. La force de la proportion précisément trouvée de taille et de couleur était si grande qu'il devint extrêmement agité et ne put ni manger ni dormir pendant une semaine entière. Ce carré noir sur toile blanche était une forme de couleur incroyable. Malevitch s'est rendu compte qu'il avait créé quelque chose de nouveau, quelque chose après quoi la peinture ne serait plus jamais la même.
Quelques mois plus tard, une exposition intitulée "La dernière exposition futuriste de peintures" 0.10 "a été ouverte à Saint-Pétersbourg. «0» signifiait zéro objectivité, la fin du futurisme et le début du suprématisme, «10» - le nombre estimé de participants. Malevitch était parmi eux. Dans le coin rouge, au-dessus de toutes les toiles, où l'icône était traditionnellement située dans les huttes russes, était accrochée le «carré noir». "Square" a été immédiatement surnommé une icône de la nouvelle ère.
Entre «son» et «vue». Choquant ou conceptualité?
À ce jour, beaucoup accusent Malevitch de s'efforcer de devenir célèbre dans le scandale. En effet, à première vue, une telle exposition de l'image ressemble à un choc. Mais si vous regardez de près ce qui a déterminé le psychique de l'artiste, il devient clair quels désirs latents ont réellement façonné son travail.
Kazimir Malevitch était un polymorphe doté d'une double intelligence abstraite-figurative, dont les vecteurs sonores et visuels sont responsables. Cependant, le vecteur sonore est dominant et le plus important en termes de volume de désirs. Pour une telle personne, une idée significative ressemble à une valeur absolue. Le sens pour lui est Dieu.
Quoi qu'un ingénieur du son développé fasse, il le fera toujours au nom d'une idée. La renommée, l'attention, les frais - tout cela semble petit et insignifiant par rapport à ce à quoi il a consacré sa vie.
Le choc est l'une des manifestations du vecteur visuel. Cela se produit lorsqu'un potentiel émotionnel naturellement élevé n'est pas développé puis réalisé dans des activités utiles pour la société. Essentiellement, choquant est la manipulation de l'attention, captant l'attention du public en utilisant des techniques interdites.
Cependant, il est impossible de blâmer Malevitch pour un sous-développement ou une mise en œuvre insuffisante. Avant même d'écrire The Black Square, il était un maître accompli, avait une excellente maîtrise de l'écriture académique et pouvait facilement créer n'importe quelle image qui évoque des émotions sans recourir à des mesures extrêmes.
Il a créé quelque chose sans précédent - un paradoxe, une image sans image. Mais pas parce qu'il ne pouvait pas faire autrement. C'était le but, l'idée.
Comment montrer cette image pour que le spectateur réfléchisse, s'arrête, change le paradigme de la perception? La conscience exclut du champ de vision tout ce que nous ne reconnaissons pas comme image. Le spectateur perçoit les images non identifiées comme du «bruit» dans le canal de communication, comme un angle mort. Le spectateur ne gaspillera tout simplement pas d'énergie à regarder si le message lui semble dénué de sens.
Le carré noir est le manifeste. Malevitch a utilisé la démonstrativité accentuée dans son placement afin de sortir le spectateur du scénario habituel et automatique de la perception. Il donne à son travail des nuances supplémentaires de sens, le rend conceptuel. Il semble dire au spectateur: "Regardez, bientôt ce sera votre sanctuaire."
Et c'est arrivé. Tout le développement rapide de l'humanité au XXe siècle s'est déroulé sous le drapeau carré de l'intelligence abstraite.
J'ai été crucifié avec des jurons …
"La dernière exposition futuriste" 0.10 " a transformé le monde de l'art. Audacieuse, choquante et incompréhensible - une telle impression qu'elle a faite à ses contemporains. Cependant, même parmi les artistes, beaucoup ne comprenaient pas comment évaluer ce phénomène. Une vague de critiques s'abattit sur Malevitch.
«J'ai été crucifié avec des jurons…» - c'est ainsi qu'il commence l'un de ses poèmes de 1916.
Il semblerait que l'artiste ait écrit une image et écrit, dans l'art du XXe siècle, et ce n'est pas le cas. Cependant, plus de cent ans se sont écoulés et le débat sur le carré noir ne s'arrête pas.
En effet, la toile de Malevitch s'apparente le moins à la peinture traditionnelle: qu'est-ce que cette peinture qui ne représente rien?
L'écrivain, publiciste et critique littéraire russe Tatiana Tolstaya dans son essai "Square" suggère que Malevitch a vendu son âme au diable, pour lequel il l'a doté d'une renommée éternelle et d'une influence absolue sur l'art et la culture.
Que nous aimions ou non Black Square, nous vivons maintenant dans un monde post-carré. «Square» a eu un impact énorme sur la culture et même la science.
La guillotine de son plan noir, d'un coup précis, a divisé la culture en deux: un monde pré-carré et un monde post-carré. Et en même temps, elle a béni la vie avec de nombreux nouveaux phénomènes. Le design, la photographie, la cinématographie, etc. sont nés dans le monde post-carré.
Il n'est pas nécessaire d'aimer le carré noir, mais il est dangereux de ne pas le comprendre aujourd'hui - comme être analphabète dans une grande ville. Il est l'ABC du langage visuel moderne.
Il n'est pas du tout difficile de comprendre ce paradoxe de l'art du XXe siècle si l'on regarde la peinture à travers le prisme de la connaissance de la formation «Psychologie système-vecteur».
Qu'est-ce que la peinture?
La peinture est un produit de la mesure visuelle, de l'intelligence figurative.
La base de la tradition de la peinture avant Malevitch a toujours été formée par l'image et l'intrigue. Ils sont la chair et le sang de la peinture depuis sa création, depuis les premières peintures rupestres des premiers hommes.
Une image est un ensemble de caractéristiques inhérentes à un objet ou un phénomène, et un cocon associatif autour de lui. Une image peut être exprimée, par exemple, par un mot dans un texte ou une image en peinture, sculpture, danse.
L'image est un instrument de saisie instantanée. C'est une capsule. Un artiste ou un écrivain compresse un vaste éventail d'informations sous une forme simple. La capsule de l'image s'ouvre à l'intérieur de la conscience de celui qui perçoit et ajoute ces détails qui n'étaient pas réellement dans l'image ou le texte, mais qui auraient pu l'être.
Yuri Lotman, critique littéraire, culturologue et sémioticien soviétique et russe, a attiré l'attention sur cette caractéristique. Il a dit qu'une image artistique est capable de générer de nouvelles significations par elle-même.
L'intrigue (ou intrigue) est le contexte, les circonstances dans lesquelles les images existent dans l'œuvre. C'est le principal conflit dramatique qui prête tension et expression à une œuvre d'art. En peinture et en cinématographie, cette tension crée souvent un contraste: un fond coloré et dynamique, de nombreuses personnes courent et crient, et au premier plan se trouve une grande figure monochrome statique d'une personne au visage impénétrable.
Le statut sacré de la peinture et la tradition de la peinture
L'image est différente de l'image. Que? Par son statut particulier. Un tableau est quelque chose qui est accroché au mur, un tableau particulièrement précieux dans un musée. Une visite de l'exposition n'est pas qu'une promenade, c'est un rituel. Toute cette atmosphère sacrée assure la confiance inconditionnelle du spectateur dans ce qui est peint dans l'image.
C'est arrivé parce que la peinture est issue d'une fresque. La fresque au Moyen Âge a introduit les sujets bibliques aux analphabètes. Elle devait afficher le contenu des Saintes Écritures aussi précisément que possible, car ses images avaient la confiance de ceux qui ne pouvaient pas lire eux-mêmes la source originale. Le tableau a hérité du statut sacré de la fresque et de sa crédibilité.
La tradition de la peinture européenne commence avec l'artiste proto-Renaissance Giotto di Bondone (1266 -1337). Giotto est le créateur du langage traditionnel de la peinture européenne. Excellent artiste et excellent psychologue, il s'est permis pour la première fois l'interprétation de l'auteur, repensant l'image et l'intrigue. Il remplit ses fresques des détails et des types les plus précis, espionnés dans la vie. C'est grâce à Giotto que tous les artistes ont eu l'occasion de lancer parfois dans leur cœur: "Mais je suis un artiste, je le vois ainsi!"
Cette tradition picturale était inébranlable jusqu'à la fin du XIXe siècle, lorsque les impressionnistes sont apparus, puis les postimpressionnistes, les cubistes, etc. avec le langage pictural de Giotto par la présence d'une image ou d'une intrigue. Cette image pourrait être recréée à partir d'argile, comme chez Cézanne, découpée en petits morceaux et réassemblée dans un ordre aléatoire: le nez dans une partie de l'image, l'œil dans l'autre, comme chez Picasso. Mais cela a toujours été - quoique sous une forme détruite.
Sous Pierre Ier, la Russie a adopté la tradition artistique européenne et s'y est développée avec un certain retard jusqu'à la fin du 19e - début du 20e siècle. Nous n'avons pas eu d'impressionnisme et de cubisme, mais au tout début du 20ème siècle, de nombreux artistes intéressants et originaux sont apparus qui ont bercé la rigidité des traditions. Il s'agit de l'association artistique "World of Art" dirigée par Alexander Benois, "Jack of Diamonds" avec Konchalovsky, Mashkov, Larionov, Lentulov. "Futuristes" - frères David et Vladimir Burliuk, Natalia Goncharova et autres. Kazimir Malevitch a également commencé à créer avec des futuristes.
Pourquoi un carré est-il la mort de la peinture?
Ainsi, la peinture, à partir du 13ème siècle partout dans le monde, est une image et une intrigue. Une image picturale est crue parce qu'elle est sacrée. Et ils attendent de lui une histoire, une histoire, une narration avec l'interprétation par l'auteur des images par l'artiste.
Et en Russie en 1915, dans l'espace d'exposition, dans le «coin rouge», dans un lieu emphatiquement sacré, apparaît un tableau qui ne représente rien!
Explosion de conscience. Ce n'est même pas une provocation - c'est un sabotage. L'acte de détruire la culture, «tout ce qui est aimant et tendre».
Comment se fait-il qu'un artiste ordinaire, alors encore futuriste, Kazimir Malevitch puisse le faire consciemment?
La formation "System-Vector Psychology" de Yuri Burlan distingue deux types d'intelligence: figurative et abstraite. Ils correspondent aux vecteurs visuels et sonores …
Lire la suite dans les articles "Black Square": Believe or Know? Partie 2 et Intelligence au carré: le cosmos noir de la pensée abstraite. Partie 3
