Richard Strauss. Vie et métamorphose d'un héros sonique
Le 11 juin, le monde célèbre le 150e anniversaire de la naissance de Richard Strauss. Et aujourd'hui, à l'écoute de ses oeuvres, on se demande quel fut le drame du destin et de la créativité du grand maître. Qu'est-ce que le grand Strauss et qu'est-ce qui lui a permis de créer autant de chefs-d'œuvre de l'art musical mondial? Parlons-en dans cet article.
Richard Strauss (allemand Richard Strauss, 11 juin 1864, Munich, Allemagne - 8 septembre 1949, Garmisch-Partenkirchen, Allemagne) nous est connu non seulement comme un compositeur allemand exceptionnel et un chef symphonique - de nombreux experts et admirateurs de son travail reconnaissent lui en tant que génie, innovateur, créateur de nouvelles formes musicales et dramatiques et d'images musicales uniques. Richard Strauss a consacré toute sa vie au développement de la culture musicale allemande.
La plupart de ses contemporains aimaient la musique de Strauss, déifiant son talent, et les opéras se sont battus pour la vie et la mort pour le droit de mettre en scène ses opéras en premier. Il y avait aussi ceux qui ne l'ont pas accepté, l'ont condamné, critiqué, ridiculisé et même diabolisé et interdit.
Le 11 juin, le monde célèbre le 150e anniversaire de la naissance de Richard Strauss. Et aujourd'hui, à l'écoute de ses œuvres, on se demande: quel fut le drame du destin et de l'œuvre du grand maître? Comment était-ce pour lui, après avoir vécu les années heureuses de l'épanouissement de l'Allemagne pacifique, au milieu de sa vie créatrice, de devenir un participant involontaire à l'agression militaire du Deuxième, puis du Troisième Reich, se retrouvant dans un atmosphère de dégradation morale et de chute spirituelle de son peuple? Qu'est-ce que le grand Strauss et qu'est-ce qui lui a permis de créer autant de chefs-d'œuvre de l'art musical mondial? Parlons-en dans cet article.
QU'EST-CE QUI EST AU-DELÀ DE LA FORME
Chaque morceau de musique a une forme, et la forme doit correspondre au contenu. En substance, dans un art harmonieux et sain, c'est le contenu qui choisit la forme pour sa pleine expression adéquate. Pas l'inverse. Quel est ce contenu? C'est une question vraiment intéressante …
La réponse est simple. Le contenu d'un morceau de musique est une recherche interne, un désir, un manque de son auteur. Ce n'est pas le désir de notre corps, mais quelque chose de plus, qui est au-delà de la base "manger - boire - respirer - dormir" dans diverses variantes, un désir supplémentaire en plus de la nature animale. Ce désir n'est pas matériel, mais de là il ne devient pas secondaire. Au contraire, l'artiste, comme on dit, ne peut ni manger ni dormir tant qu'il n'a pas créé son œuvre.
La recherche intérieure de quelque chose au-delà du monde physique, la recherche de la cause profonde de l'existence même de mon «je» - c'est une aspiration commune pour un certain type de personnes qui, dans la psychologie des vecteurs système, sont appelées les propriétaires du son vecteur. Et un don spécial des compositeurs sonores est la capacité de fondre cette aspiration dans la créativité musicale, unique par sa profondeur et sa richesse de contenu.
Ces gens manquent tellement de musique qu'ils la font tous les jours et développent l'habileté de jouer non pour eux-mêmes, mais pour les autres. Il est significatif qu'il y ait beaucoup moins de musiciens-interprètes que ceux capables de jouer pour eux-mêmes. Qu'est-ce que ça veut dire? Sur le fait que pour devenir compositeur, il ne faut pas seulement souhaiter quelque chose de plus qu’une simple satisfaction de son «besoin» physique, c’est-à-dire non seulement être un ingénieur du son, mais apprendre à faire sortir sa recherche intérieure et à partager ce que vous entendez au plus profond de l'inconscient avec les autres …
Enfance et adolescence
Dès l'enfance, Richard Strauss aimait étudier et était un étudiant très assidu. Il a commencé à composer à l'âge de six ans et a rempli une énorme quantité de partitions, développant sa capacité à composer et à enregistrer de la musique, même si à ce stade ses compositions étaient imitatives. Les efforts du garçon ont rendu son père heureux, qui a tout fait pour empêcher son fils de tomber dans un prodige destructeur, mais a progressivement et profondément développé son talent dans la clé du classicisme allemand, suivant les traces de Mozart, Haydn, Bach, mais en aucun cas. le «terrible» Wagner, que Franz Strauss détestait farouchement.
Célèbre joueur de cor français de l'époque, Franz Strauss avait un caractère difficile. Selon un certain nombre de descriptions, on peut dire qu'il possédait une combinaison anale-peau de vecteurs, combinant le despotisme anal avec un désir cutané de discipline et de contrôle stricts. Il a toujours eu son avis et l'a exprimé non sans agressivité, ce qui lui a valu l'aversion des dirigeants et des membres de l'orchestre de l'Orchestre de Munich, dans lequel il a travaillé toute sa vie. La mère de Richard, issue d'une famille de célèbres brasseurs de Pshor, était une femme calme et douce avec de fréquents accès de dépression, suggérant qu'elle avait un vecteur sonore. Après tout, ce sont les gens sains qui sont la proie de la dépression.
L'éducation de Richard était multiforme. Le développement du vecteur visuel n'a pas été à la traîne par rapport au développement du vecteur sonore - le jeune Strauss aimait passionnément les beaux-arts et connaissait très bien la peinture. Il lisait beaucoup et fréquentait activement l'opéra et les salles de concert. Le seul sujet qu'il n'aimait pas particulièrement était les mathématiques. Cahier d'école conservé du petit Richard sur le sujet avec des croquis d'un concerto pour violon au lieu d'équations. Cependant, le futur compositeur avait encore un vecteur de peau: à l'avenir, Richard n'aura aucun problème ni avec les calculs ni avec l'économie - les traits distinctifs du vecteur de peau. C'était juste que compter n'était pas son principal intérêt - les vecteurs supérieurs en demandaient plus.
Si vous plongez dans la description de son enfance et de sa jeunesse, il est difficile de ne pas remarquer avec quelle harmonie, avec le soutien collectif de son entourage, parmi lesquels, après le départ de Richard, 19 ans, à Berlin, il y avait déjà des musiciens du de haut calibre, le futur compositeur grandit et se développe. Grâce aux efforts de ses parents et de son environnement, Richard avait des conditions presque idéales pour le développement du ligament son-visuel des vecteurs.
A Berlin, Strauss était populaire, il était invité partout: aux dîners dans de belles maisons, aux répétitions de l'orchestre et à la création d'opéras. En tant que jeune groupe d'énergie, Strauss se précipita souvent entre un nombre infini de projets musicaux, commençant des affaires avec des pianistes, des violoncellistes, des critiques ou des journalistes. Il avait 20 ans, il vivait modestement, dépensait sagement l'argent de ses parents pour l'opéra et les concerts, et savait exactement ce qu'il voulait.
Richard était patronné par Hans von Bülow, l'une des personnalités les plus brillantes de l'histoire de la musique, un chef symphonique et un pianiste étonnant, un élève de Liszt et un disciple de Wagner. L'attention de Bülow a été attirée sur les premières œuvres de Strauss: "Marche festive" et Serenade pour 13 vents en mi bémol majeur. C'était Bülow qui était destiné à jouer un rôle décisif dans la vie de Strauss.
De plus, Strauss a réussi à se lier d'amitié avec Cosima Wagner. L'ex-femme de Bülow, Cosima, a quitté son mari, tombée amoureuse d'un homme qui était un dieu pour Bülow lui-même, Richard Wagner. Elle a traité le jeune Strauss avec beaucoup de sympathie et l'a soutenu en tant que chef d'orchestre et compositeur.
Au cours de ces années berlinoises, Richard Strauss s'est développé comme un jeune homme très éduqué, obsédé par la musique, séduisant, au caractère vif, ouvert et impulsif.
Sur la base de ce qui précède, nous pouvons compléter le portrait systémique du compositeur. Le vecteur sonore dominant était bien sûr le premier dans l'ensemble des vecteurs de Strauss. Richard vivait pour la musique et pour la musique, c'était son sens, son idée. Des vecteurs de fond bien développés lui ont permis de manœuvrer facilement sur le terrain difficile de la capitale allemande. Il y avait assez de persévérance anale en lui pour étudier et tout faire avec un grand professionnalisme, peu importe ce qu'il entreprenait. Il avait assez d'ambition de peau pour construire sa carrière musicale. Le vecteur visuel lui a permis de ne pas hésiter à sortir et à communiquer constamment avec le public. Et le tempérament élevé a permis de faire tout ce qui précède avec une passion et un zèle particuliers.
Il ne faudra pas longtemps à un diamant nommé Richard Strauss pour acquérir toutes ses facettes et se transformer en un diamant étincelant.
SA PROPRE FAÇON
Avant de déménager à Berlin, Richard Strauss était sous l'influence implacable de son père. Au début, il était encore préservé - par correspondance. Mais le moment est venu où Richard a réussi à sortir de son influence et à entamer sa propre recherche, non sans l'influence de personnalités originales et marquantes, des rencontres avec lesquelles le destin lui a si généreusement donné.
Une des inspirations de Strauss était Alexander Ritter, un violoniste médiocre et un compositeur médiocre, mais un homme instruit et cultivé et un fervent partisan de Wagner. Les idées et réflexions philosophiques de Ritter ont servi de catalyseur pour un nouveau cycle dans la recherche spirituelle et musicale de Strauss.
La première transformation de son monde intérieur fut l'inévitable conversion en fan de créativité et d'idées philosophiques de Richard Wagner. Ils disent que l'amour de Strauss pour l'opéra Tristan et Isolde était si profond et si fort qu'au cours des dernières années de sa vie, il a constamment porté sa partition avec lui comme un talisman.
Le manifeste musical du jeune Richard d'une lettre à von Bülow ressemblait à ceci: «Pour créer une œuvre d'art compatible dans l'esprit et la structure, qui provoquerait des impressions tangibles pour l'auditeur, le compositeur doit penser en images visuelles s'il le souhaite. pour transmettre son idée à l'auditeur. Mais cela n'est possible que si la composition est basée sur une idée poétique féconde, que le programme l'accompagne ou non."
C'est là que se situe l'imbrication des approches visuelles et sonores de la création musicale, invisible pour un chercheur non systémique, qui a formé la base du travail de Strauss et a formé le modèle unique de ses œuvres. Pour expliquer l'importance de ce plexus, écartons-nous un peu.
Richard Strauss était destiné à vivre à une époque unique - à la rupture de deux époques historiques entre les phases de développement anal sortant et dermique entrant. Le tout début de ce processus a coïncidé avec la jeunesse de Strauss. Les convulsions fatales de la partie anale réactionnaire de la société, incarnées dans la création de l'idée d'une race supérieure et conduisant au meurtre de millions de personnes, étaient toujours en avant. Ahead était encore une réalisation amère de l'horreur de la montée parfaite et sans précédent des idées de l'humanisme.
Alors que tout cela mûrissait encore dans les profondeurs de l'inconscient collectif et germait de rares pointes d'épreuve à la surface des vies humaines, une culture de masse standardisée pour tous est née dans les œuvres des maîtres d'art. En «apportant» l'art aux gens en l'habillant sous des formes visuelles accessibles à la majorité de la société, des compositeurs comme Richard Strauss ont contribué à la création d'une culture de masse.
CRÉATION
Richard Strauss, comme un vrai dermatologue, était un fanatique absolu de la musique. Il était terrifié de ne pas travailler. Composer de la musique et jouer étaient la raison d'être de sa vie.
Au premier stade de son travail, Strauss, influencé par les idées de Wagner, a créé plusieurs poèmes symphoniques vifs, où la transformation du langage musical pour créer des séries visuelles vives est devenue à la fois un but et un moyen. Un langage harmonique puissant, une mélodie caractéristique, une orchestration éblouissante ont permis au spectateur de voir le monde à travers les yeux du personnage principal de l'œuvre.
L'héroïsme de l'esprit, l'énergie incroyable, la poésie musicale la plus subtile des sentiments - tout cela a emporté l'auditeur avec une avalanche, ne donnant aucune occasion de rester indifférent. Un solo de violon et un thème de danse écrits dans le style de la valse viennoise pourraient être élégamment poétiques pour Strauss. Un sentiment de beauté et d'harmonie de la vie, le pathos romantique de l'héroïsme, la présence féminine, la franchise intrépide des pulsions sexuelles imprègnent littéralement ses œuvres.
Comme le plus parfait d'entre eux, on peut distinguer le poème «Don Juan» qui, à la fierté de Strauss, a divisé le monde de ses auditeurs en admirateurs ardents et non moins en adversaires ardents. De nos jours, plus d'une mélodie de film a été copiée à partir des délicieux thèmes de Don Juan. C'est à Richard Strauss que nous devons être reconnaissants pour les succès pétillants des films de Disney et d'Hollywood.
Les poèmes symphoniques «Death and Enlightenment» et «Ainsi dit Zarathoustra» étaient tout à fait différents, qui reflétaient la recherche sonore du maître. En eux, le centre de l'attention de Strauss n'était pas la vie physique bouillonnante et les singeries vaillantes des héros, mais la recherche intérieure et le désir de se connaître.
Death and Enlightenment (1888–1889) est un poème d'une beauté extraordinaire, incarnant dans le son de l'état d'une personne gravement malade et profondément souffrante, qui est tourmentée par la question de savoir quel est le sens de tout ce que nous appelons la vie. Il essaie de résoudre l'énigme de la vie en résolvant l'énigme de la mort.
Le poème reflète une recherche interne, mais ne peut évidemment pas y répondre. La conscience de soi, la concentration correcte de la pensée est le travail individuel de chacun en tant que particule de la société, que personne ne peut accomplir pour un autre. La tâche du compositeur est d'éveiller ces questions chez l'auditeur.
La première phrase mondialement connue du poème Ainsi dit Zarathoustra (1896):
Dès l'âge de trente ans, Strauss a commencé à montrer un vif intérêt pour l'écriture d'opéras. En 1894, il crée l'opéra Guntram. Il est significatif que, initialement sous l'influence de Ritter, Strauss s'est soudainement retiré même de sa vision du monde nouvellement acquise et d'un seul coup est devenu plus à gauche que son mentor de gauche. Le personnage principal de l'opéra ne suit pas l'intrigue originale et au lieu de se rendre volontairement au tribunal religieux pour le meurtre d'un méchant dans la finale, il se lance dans une recherche morale et cherche une réponse pour ce qu'il n'a fait que dans sa conscience. Malheureusement, le public et même Ritter, volant sur les ailes des idées progressistes, n'étaient pas prêts pour une telle tournure des événements. Ils ont été scandalisés par la réticence de Strauss à donner son héros à la merci de la loi. L'opéra échoua et la position morale de Strauss fut rejetée. Pendant un certain temps…
Le deuxième opéra, Lack of Fire, écrit en 1901, était une tentative d'aborder le thème plus universel que la femme est le centre de l'être et la force motrice de l'homme. Strauss a abordé ce sujet de l'extérieur, ce qui a également empêché la croissance de la popularité de cet opéra. À la sincère surprise de nombreux contemporains, le principal représentant de l'élite aristocratique de l'époque a reconnu l'opéra comme obscène et non digne d'attention.
La musique de cette époque, essayant de consolider la position du romantisme classique (La Reine de pique de Tchaïkovski, 1890; Symphonie de Novy Svet de Dvořák, 1893; Verdi Falstaff, 1893), est restée fidèle aux traditions. Sur tout le front musical, cependant, des changements étaient déjà visibles. Les symphonies de Mahler, les chansons aux vers de Baudelaire et L'après-midi d'un faune de Debussy parlaient déjà la langue post-wagnérienne.
Dans un effort pour démêler la source des désirs humains et leur signification, les compositeurs ont manifesté une soif de couleurs enivrantes, se replient dans le monde des rêves et ont commencé à utiliser la sexualité dans l'art. Tout cela peut être retracé dans les œuvres de Strauss. Il a pu exprimer en contraste saisissant en musique les questions passionnantes de l'existence humaine: séduction et désobéissance, principes masculins et féminins, vie et mort, sexe et meurtre.
"SALOME"
Jokanaan, le prophète religieux, est emprisonné dans le palais d'Hérode. Une adolescente de 15 ans, fille de la femme d'Hérode, Salomé, tombe amoureuse du prophète. Il la rejette. Salomé danse la danse des Sept Voiles pour Hérode. Heureux de la danse de Salomé, Hérode lui promet de satisfaire tous ses désirs. Salomé demande la tête de Jokanaan. Hérode est obligé d'exécuter le prophète. Lorsque la tête de Jokanaan est portée à la fille, elle exprime ouvertement son amour pour l'élu décédé. C'est déroutant et choquant pour les témoins. Salomé est tué.
L'opéra Salomé a été présenté pour la première fois à Dresde. Il a été interdit à Vienne et a été contraint d'être retiré lors d'une projection au Metropolitan Opera de New York. Le 16 mai 1906, Salomé a été mis en scène dans la ville autrichienne de Graz. Parmi les spectateurs se trouvaient Mahler, Berg, Schoenberg, Puccini, Zemlinsky, la veuve de Johann Strauss et bien d'autres. De nombreux amateurs d'opéra et même des têtes couronnées ont assisté à cette représentation. Même le personnage de fiction Adrian Leverkühn, le héros du roman de Thomas Mann, Docteur Faustus, était là avec Adolf Hitler, 17 ans …
L'opéra a été un succès retentissant. Malgré l'ambiguïté provocante, il y avait quelque chose dans cette musique qui ne laissait personne indifférent. L'audace avec laquelle l'auteur s'est penché sur des sujets jusqu'alors totalement interdits a choqué le public autant que le sujet de l'opéra lui-même. Le public de cette époque a vu le scandale dans la débauche de la cour du roi Hérode, le comportement débridé de la princesse Salomé, et à la fin de l'opéra - dans la scène laide de la nécromancie et le triomphe franchement sexuel de la folle Salomé sur Jokanaan.
Comment voyons-nous cet opéra aujourd'hui?
Une jeune fille de 15 ans vit dans le palais de son beau-père Hérode, qui la harcèle malgré la proximité de sa mère. Salomé rencontre Jokanaan, qui est appelé un célèbre prophète dans l'opéra. Strauss n'était pas religieux et savait qu'il ne représentait pas Jokanaan sous son meilleur jour pour un prophète. Son caractère s'est avéré être limité et non spirituel. Jokanaan a éveillé à Salomé un désir passionné d'amour.
Ce n'était en aucun cas l'explosion romantique de sentiments d'une fille naïve qui désire la bénédiction de l'homme de Dieu, comme Lord Chamberlain a insisté pour le montrer avant la production d'opéra à Londres en 1910. Pour Salomé, cet amour était le résultat d'une idée soudaine que «le mystère de l'amour est plus grand que le mystère de la mort». Son dernier monologue lyrique franc avec la tête de Jokanaan, baptisé «nécromancie», se termine par les mots hypnotiques:
ET! J'ai embrassé ta bouche, Jokanaan, j'ai embrassé ta bouche.
Il y avait un goût piquant sur vos lèvres. Avait-il un goût de sang?..
C'est peut-être le goût de l'amour. Ils disent que l'amour a un goût vif.
Mais reste. N'a pas d'importance. J'ai embrassé ta bouche, Jokanaan, j'ai embrassé ta bouche.
Une quarantaine d'années se sont écoulées depuis la première production du "Tristan" de Wagner. Dans le final de Tristan, Isolde «rayonne également d'amour» sur le corps du mort Tristan. Mais entre les deux finales, Tristan et Salomé, il y a un gouffre. Dans le premier cas, le couple tragique n'a pas pu réaliser leur relation en raison de normes sociales: dans le domaine du conservatisme anal, une femme mariée ne peut pas être heureuse avec le meilleur ami de son mari, même s'il a noblement décidé de leur donner cette opportunité.
Dans "Salomé" la tragédie d'un plan différent: c'est un combat mortel pour la satisfaction de ses désirs, qui montre la volonté d'une personne d'utiliser tous les moyens sur le chemin du but. Et ce n'est pas pour rien que le personnage principal est une jeune fille. Elle est comme l'incarnation d'une nouvelle génération avec un désir accru de recevoir, avec une énorme incompréhension mentale et complète d'elle-même encore plus compliquée, la perte des lignes directrices morales.
Tout au long de sa vie, Strauss a recherché le livret parfait pour l'opéra parfait. Il a écrit 15 opéras et sa recherche créative dans ce genre était inhabituellement large. "Chevalier des roses" - un opéra comique, l'un des plus aimés du public, a été conçu par Strauss comme une comédie musicale avec des traits de parodie. Le scénario a été écrit par un brillant librettiste nommé Hoffmannsthal comme une stylisation pour les œuvres du XVIIIe siècle et en particulier pour les opéras de Mozart. Les anachronismes ont été volontairement autorisés dans la musique: mêlant les mélodies des temps anciens aux valses viennoises des XIXe - XXe siècles.
À première vue, l'opéra, léger dans son contenu, comprend le personnage principal Marshalsha, une femme brillante et séduisante, une position élevée dans la société, le comte Octavian, un jeune homme de 17 ans amoureux de Marshalsha, Sophie, la mariée de Cousin de Marshalsha. Au cours de l'opéra, Octavian tombe amoureux de la jeune Sophie. Dans le dernier acte, le célèbre trio sonne, où Marshalsha refuse Octavian et le convainc de lier sa vie à Sophie. Le rôle d'Octavian a été écrit pour mezzo-soprano, dans la tradition de l'opéra du XVIIIe siècle. L'opéra est imprégné de détails d'une frivolité gracieuse. Le personnage du maréchal était particulièrement réussi pour Strauss, et il considérait ce personnage comme l'une de ses meilleures créations.
Si Strauss écrivait des poèmes symphoniques avec des traits visuels brillants, dans un changement rapide ressemblant à une peau de petits épisodes et de divers personnages, alors dans ses opéras, il s'appuyait principalement sur les valeurs du vecteur anal et choisissait souvent des sujets du passé, même le passé ancien pour eux. Par exemple, dans un opéra comme Electra, le noyau émotionnel est le ressentiment anal et une soif de vengeance, destructrice à la fois pour l'objet et pour le sujet de ce qui se passe.
Dans le "Chevalier des roses", le thème d'une beauté trentenaire "vieillissante", perdant ou abandonnant volontairement un jeune amant à son pair, évoque un sentiment de véritable tristesse, bien que Marshalsha ne soit pas de ceux qui succombez à la tristesse. Surtout, elle trouvera un remplaçant digne d'Octavian et sera oubliée dans le nouveau roman. D'une manière ou d'une autre, le dernier trio sonne comme un épisode inoubliable d'adieu à l'amour, et la légère tristesse et la beauté de la musique ne cachent pas la vraie tragédie de ce moment pour une femme charmante qui est consciente de l'inéluctabilité du passage de temps.
GUERRE
"Métamorphoses, ou Concerto pour 23 cordes" est l'une des dernières œuvres de Strauss, commencée en 1943, lors de la destruction de l'Opéra de Munich, avec laquelle presque toute sa vie était liée. Les Métamorphoses ont été achevées deux ans plus tard, en 1945, après l'incendie et la destruction de l'Opéra de Vienne, après le bombardement barbare et stratégiquement insensé de Dresde.
La musique de la pièce est imprégnée de chagrin pour la culture allemande mourante. La pièce utilise des citations de Tristan et Isolde de Wagner, un thème du dernier opéra de Strauss, Arabella, et un thème de marche funèbre de la Symphonie héroïque de Ludwig van Beethoven. Dans la partition, ce thème est accompagné des mots «inmemoriam».
Les musicologues se disputent depuis longtemps à qui cette pièce est dédiée. Il s'est avéré que ces dernières années, Strauss a étudié les œuvres de Goethe afin de comprendre les racines du mal chez l'homme, responsable d'événements aussi terribles que la guerre. Pendant la guerre, Strauss a dû vivre beaucoup de choses. Sa belle-fille, épouse de son fils unique et mère de deux petits-enfants, était une femme d'origine juive. Afin de sauver la vie de ces personnes très chères à lui, Strauss a pendant quelque temps été ministre de la Culture du Troisième Reich, où il a été nommé sans aucune consultation avec lui.
Strauss n'a pas rempli ce rôle pendant longtemps, car il a refusé de retirer le nom du librettiste Stefan Zweig, qui était en exil en raison de sa nationalité, du programme de son nouvel opéra Silent Woman. Bientôt, la Gestapo a intercepté une lettre franche de Strauss à Zweig, où il a écrit sur son mépris pour les nazis. Strauss a été démis de ses fonctions de toute urgence et aurait probablement été tué sans sa renommée et son autorité mondiales. Son fils et sa belle-fille ont été une fois kidnappés par la Gestapo et ont passé plusieurs jours en prison, jusqu'à ce que Strauss revienne de toute urgence de sa tournée pour demander leur libération.
Ses petits-enfants, lorsqu'ils ont dû aller à l'école pendant la guerre, ont été attaqués et intimidés par des résidents locaux. Ils ont été crachés dessus et intimidés. Après la guerre, Strauss a été jugé en rapport avec son travail pour le Troisième Reich avant la guerre et a été entièrement acquitté. Après la guerre, sa popularité a été rétablie. Une fois, franchissant la frontière franco-suisse pour se faire soigner dans un sanatorium suisse, Strauss a oublié tous les documents. Les gardes-frontières français l'ont reconnu, l'ont salué avec respect et l'ont laissé passer la frontière, malgré l'absence de passeport.
CONCLUSION
Richard Strauss a vécu une vie longue et réussie. Il a survécu à deux guerres mondiales, et son travail et certaines de ses actions sont encore interprétés de manière contradictoire par les musicologues et les historiens.
Par exemple, le créateur de la musique 12 tons, Arnold Schoenberg, a dit un jour: "Je n'ai jamais été un révolutionnaire, Strauss était le seul révolutionnaire de notre temps!" Mais ce n'était pas le cas. Richard Strauss n'était pas un révolutionnaire ouvrant la voie et montrant la voie vers l'avenir; il était plutôt le dernier maillon de la chaîne des grands romantiques.
La longue et inhabituelle carrière musicale de Strauss s'est terminée avec les ingénieux Four Last Songs. Après une vie vraiment bien vécue dans ces chansons, il a surpassé tout le monde dans la capacité de regarder la mort dans les yeux sans crainte. Ainsi, dans la beauté divine de ces chansons, le dernier romantique allemand Richard Strauss acheva son voyage terrestre et sa recherche sonore.
